Pocos discos para 1996, pero variados y con la misma calidad que otras entregas

 

Bandas recurrentes en esta nueva entrega, y otra aparición de Roberto Villandiego de REVOLVER MAGAZINE. Otro guitarrista de VITA IMANA, en esta ocasión Román García; y de OVERDRY, su bajista P. Primoy, después del paso de Markos en un capítulo anterior. Repite Juli Baz de CRISIX, y de MORPHIUM en esta ocasión tenemos a su cantante Álex Bace. Estas dos últimas bandas se encuentran preparando sus segundas obras. A ellos se les suman dos nuevas bandas colaboradoras. Alberto Marín de HAMLET, que siguen presentando ‘Amnesia’ por nuestro territorio… y más allá. Hace poco actuaron por primera vez en el festival francés Hellfest, y se puede ver su concierto íntegro a través de este enlace. Aún no tiene fecha de lanzamiento, pero se encuentran preparando el DVD en directo grabado en sus actuaciones de Bilbao y Madrid. Completa esta parte Johnny, guitarrista de HOLLOW, que hace poco han retomado la actividad después de un tiempo parados tras sacar su primer disco, ‘Las Estaciones de la Conciencia’. Tras algunos cambios en su formación, actualmente están buscando nuevo vocalista (más información aquí).

 

RAGE AGAINST THE MACHINE – Evil Empire, por Román García de VITA IMANA (Web / Facebook)

Grabado en 1996, fue el segundo trabajo de los norteamericanos. El álbum consta de once cortes en el que para mí destaca el segundo, ‘Bulls on Parade’. Tres minutos y cincuenta segundos sublimes, que comienzan con una intro machacante y dan paso al mítico riff de Tom Morello y su wah-wah, un estribillo pegadizo, con ese solo de guitarra delirante que solo él puede realizar, y un final en el que el ritmo y la energía del tema se te mete dentro y hace que te agites descontroladamente. Una estructura clara, sencilla y directa. A día de hoy pongo este disco, veo el año de su edición y sigo sorprendiéndome de la calidad sonora que posee. Un sonido noventero, potente y arrollador. La batería de Brad Wilk y el bajo de Tim Commerfordhacen una base rítmica explosiva; cuando subes un poco el volumen del equipo notas esa pegada descomunal. Destacado también el trabajo de Tom Morello, un tipo que con los años se ha convertido en un guitar hero para mí, por sus excelencias y excentricidades con la guitarra. Para completar la mezcla, el polémico Zach de la Rocha con sus letras reivindicativas y su peculiar estilo a la hora de interpretarlas. Han conseguido que este disco se haya ganado con los años un lugar especial en mi audioteca. Temas como ‘Bulls On Parade’, ‘Snake Chamer’, o ‘Year of tha Boomerang’ hacen que siga agitando mi cabeza por casa como si estuviera en un concierto.  No olvidemos que estamos hablando de un disco que ya va por sus dieciséis años de vida. Creo que lo que consiguió RAGE AGAINST THE MACHINE al fusionar tantos estilos musicales hizo que la música de la época evolucionase, generando un nuevo público. Es gracioso ver a gente tan dispar como heavys o raperos compartiendo el placer de escuchar a esta banda. Este ‘Evil Empire’ es un disco inimitable, por el simple hecho de que supieron conjugar a la perfección distintos elementos en un momento clave para la música de los 90. Es un placer poder seguir disfrutando de este álbum y transportarme a mis catorce años, cuando empecé a entender la música. Una época maravillosa, la cual considero que fue el origen de mis influencias y de lo que considero la música moderna y actual.

Tema destacado: ‘Bulls on Parade’

Discos relacionados: RAGE AGAINS THE MACHINE – Rage Against the Machine / RAGE AGAINST THE MACHINE – The Battle of L.A / AUDIOSLAVE – Audioslave

 

HELLOWEEN – The Time of the Oath por Johnny de HOLLOW (Facebook)

Aunque probablemente no sea el mejor trabajo de la banda, para mí ha sido uno de esos discos que escuchas cuando eres un crío y que te marcan para siempre. No pretendo hacer una reseña sobre él (ya habrá tropecientas y no tendría sentido); tampoco creo que sea la persona más indicada para hacerlo.  Intentaré mostraros (hasta donde lleguen mis conocimientos como redactor “jeviata”) lo que este disco significó para mí (tanto a nivel personal, como musical),  y su influencia en los grupos  que dieron el pelotazo a mediados de los 90, sobre todo en Europa.

Más me marcaron otros como ‘Arise’, ‘Colony’ o ‘Burn My Eyes’, pero al estar cogidos (cabrones) me decanté por este, que también lo hizo en los 90’. Debía ser el año 96 o 97, cuando tenía once/doce años. Por aquella época escuchaba el típico rock nacional (EXTREMODURO, PLATERO, SINIESTRO TOTAL, etc) e incluso algunos grupos que veía por la MTV o los 40, cuando ponían música medianamente decente (el ‘Smash’ de THE OFFSPRING, AC/DC, los primeros de FOO FIGHTERS, SMASHING  PUMPKINS, el BON JOVI de antes cuando molaba, e incluso ya estaba METALLICA a tope con su ‘Load’ y ‘Reload’).  Un día, la hija adolescente de una amiga de mi madre, viendo que empezaba a ser un chavalín rebelde, me grabó una cinta (joder que mayor me estoy sintiendo) con un recopilatorio con todos estos grupos que os comentaba, y entre todas esas canciones se coló algo diferente, algo que nunca había escuchado antes. Algo duro, pero a la vez melancólico, acompañado de un ritmo frenético (que ahora me parece una mariconada) que no sabía que se podía alcanzar. Por aquella época ya tenía muy claro que quería tocar la guitarra, y el sonido  y los solos de ese tema me lo reafirmaron. Os estoy hablando de ‘Power’, el cuarto tema y que suena a clásico: es oscuro, melancólico, épico,  y con un estribillo que más tarde se convertiría en un himno. Pues bien, acababa de descubrir a una de mis principales influencias musicales y de los que jamás renegaré, los PUTOS HELLOWEEN!. Era un grupo de cinco melenudos que estaban revolucionando Europa con su Power Metal, pero siempre de esa forma tan personal. Esa voz de Andi Deris, heavy, pero a la vez raspada, esa base rítmica con su bajo atronador  con todos esos Slap molones, acompañados de uno de mis batería favoritos en este estilo, Uli Kusch, que aniquilaba a base de breaks y cambios de ritmo ese concepto que tienen del power metal del “tu tu pa tu tu tu tu pa tu tu tu tu pa tu tu…” sin descanso. Y las guitarras… qué guitarras… ¡Ay omá que ricas! Esas contrapuas del metal, esos riffs de guitarra que algunas veces sonaban Thrash Metal puro y duro, esas armonizaciones (de las que más adelante hablaré con más detalle), y esos pedazo de solacos a duelo de guitarras por tema como Satán manda, sabiendo combinar perfectamente virtuosismo, gusto y calidad. Michael Weikath y Roland Grapow, son estos dos cobranazos de los que os estoy hablando, cada uno con un estilo personal, que no hacen más que enriquecer a la banda. Cuando empecé a escucharlos me quedaba con Roland, por esos barridacos con la pastilla del mástil y su sonido Fender, me parecía (y me parece) descomunal.  Ahora no sabría si decantarme por alguno, creo que los dos se complementaban perfectamente, haciendo esos solos puro sonido HELLOWEEN.

Podría haber elegido el ‘Master of the Rings’ o el ‘Better Than Raw’ que fueron los que más me gustaron de los 90, pero me he quedado con este, por todas esas mariconadas que os he contado antes. Recuerdo que cuando me compré el CD me llamó muchísimo la atención la intro del disco con los silbidos y la musiquilla de calabazas, todo esto sumado a los dibujos del libreto (una calabaza vomitando, otra fumándose un “pei” con un piercing en la ceja…), me hacían ver que estos tíos eran unos cachondos mentales, eran muy macarras y muy molones. A partir de aquí ya no hubo vuelta atrás, quería mis melenas, mi guitarra, mis piercings ¡y ligar con las nenas! Eran tíos aparentemente de puta madre, que salían al escenario a disfrutar con la gente dejando de lado un poco ese rollo tan “poser cabreao” de otros grupos de su quinta. Estoy seguro de que esa actitud ha influido en muchos otros grupos posteriores.

Tras estar los siguientes años escuchando grupos de este estilo, ocurrió algo que para mi fue una evolución lógica… por aquella época lo que más escuchábamos los “jeviatas” era Power Metal, Thrash a muerte y el Death metal ya empezaba también a pegar fuerte. Entonces ¿qué pasa si eres un tío nórdico que escucha todo esto sin descanso y no puedes salir de casa porque se le queda la “pitxa” como un MicroMachine? Pues tocar y tocar con sus amigotes hasta que un día te das cuenta de que estás tocando algo diferente, que no es otra cosa que Death Metal Melódico. Me refiero a grupos como AT THE GATES, IN FLAMES, SOILWORK, DARK TRANQUILLITY o CHILDREN OF BODOM. Poned ‘Before the War’, subidle un poco más el tempo al tema y ponedle una voz desgarrada: ¡Coñó! ¡CHILDREN OF BODOM! ¿Y esas armonizaciones en las guitarras? Que me viole un Vikingo Berserker si IN FLAMES no mamó HELLOWEEN para componer esos riffs tan míticos (Jesper Stromblad participó en la composición de uno de los primeros trabajos  de HAMMERFALL, ‘Legacy of Kings’).  Y bueno, como ya sabéis, grupos como IN FLAMES o SOILWORK fueron grandes influencias para KILLSWTICH ENGAGE, ALL THAT REMAINS, SHADOWS FALL… y de ahí todo lo que vino después.

Si eres nuevo, probablemente no te llame demasiado la atención, porque todo lo que suena a estas alturas ya está reseco y “resobao”. Pero en el 96, era otra historia, y estos tíos eran muy grandes. Lastima todos esos cambios de formación que han tenido a lo largo de su carrera… estoy seguro de que si hubiesen mantenido una formación más estable hubieran llegado a coger el relevo de los propios Maiden.

Tema destacado: ‘Before the war’

Discos relacionados: STRATOVARIUS – Visions / GAMMA RAY – Land of the Free / CHILDREN OF BODOM – Follow the Reaper

 

HAMLET – Revolución 12.111, por Pablo Primoy de OVERDRY (Web / Facebook)

Corría el año 96, eran tiempos DE LA POLLA RECORDS, KORTATU… pero recuerdo como un amigo llegó a las 8:30h al instituto flipando con una cinta que le habían prestado y, de repente, un “nuevo” sonido entró por mis oídos. Me prestó los auriculares y ¡zas! , estaba sonando ‘J.F’.  Ante mi cara de sorpresa  le pregunté que quiénes eran y me dice: “se llaman HAMLET, son de Madrid y son la polla”; y desde entonces son fijos en mi discografía.

‘Revolución 12.111’ supuso el cambio de chip que necesitaba, ya que era un sonido fresco, brutal, rápido, y novedoso como nunca había oído nada igual en castellano. La desgarradora voz de Molly y sus estudiadas estructuras se abrazaban con los afilados riffs  de Luis Tárraga y de Sánchez, que a su vez se emplastaban con las oscuras líneas de bajo a cargo de Augusto Hernández y la trepidante batería de Paco Sánchez.

Desgranando esta obra de arte, empezamos por ‘J.F‘, la cual fue con la que se dieron a conocer y de la que pocas cosas os voy a descubrir, simplemente genial. Si seguimos escuchando vemos como ‘Racismo es desigualdad‘ es una patada en la boca densa y oscura, que da pie al siguiente temazo, ‘Poseer bajo sumisión‘,dónde muestran su cara hardcore con unos riffs “Made in Hamlet”. Acto seguido vamos con ‘Egoísmo‘, para mí una de las canciones del disco en la que la crítica al maltrato animal y del planeta es evidente y que mezclan riffs cañeros y rápidos, estribillo devastador, punteo mágico y un sobrio final. Continúan con ‘No me jodas‘ y ‘El color de los pañuelos‘, con la oscura línea de bajo guiando otra de las canciones del disco con una magnífica letra. Es más pausada, pero va  in crescendo para terminar poniéndote los pelos de punta. Sin dar pausa enganchan con ‘Creerse Dios‘, hardcore y thrash a piñón, así como ‘La Tierra de Paco‘. Posteriormente, ‘Legalizar‘, ‘El pequeño dictador‘, ‘Crónica Antisocial‘ y ‘La Pesadilla‘, otros temazos hardcore que te pueden crear algún esguince cervical. Ya casi finalizando el disco está ‘Habitación 106‘, quizás de las más completas, una canción sin pausa en la que la batería no da tregua a Molly, que muestra su voz más distorsionada sin amedrentarse por ello. En ésta vuelve a oírse un punteo con mucho feeling y calidez. ‘Hombre del 2000‘ es otro himno HAMLET dónde muestran un gran repertorio creativo. Y para finalizar ‘No invasión‘, la cual podía haber firmado FEAR FACTORY, debido la compactación entre guitarras, bajo y batería así como de los sonidos sampleados. En definitiva casi una hora de auténticos himnos parte-cuellos que me hicieron descubrir a esta gran banda, y que a día de hoy siguen sonando tan frescos e innovadores como lo hicieron entonces, ya que han sabido evolucionar en la dirección correcta.

Tema destacado: ‘Egoísmo’

Discos relacionados: SOZIEDAD ALKOHÓLIKA – Ratas / PANTERA – The Great Southern Trendkill / HAMLET – Sanatorio de Muñecos

 

KING DIAMOND – The Graveyard, por Juli B. Sánchez de CRISIX (Web / Facebook)

Los trabajos que “el danés de las mil voces" llevó a cabo en los años 90 parece ser que pasan bastante desapercibidos respecto a otros realizados en otro tiempo, sobre todo los de la época ochentera, tanto con MERCYFUL FATE como en solitario. Pues bien, si indagamos un poco en la discografía del rey diamante nos topamos con obras maestras a la altura de las predecesoras como es este ‘The Graveyard’. Los que conozcan un poco la obra de Kim Bendix Petersen sabrán que sus álbumes en solitario por norma general son obras conceptuales en las que se nos narra una historia de terror y en las que cada canción supone un capítulo de la historia en cuestión. Bien, ‘The Graveyard‘ es una de las historias más terroríficas y macabras de toda su carrera, y no me vengo a referir tan solo al campo de la lírica; la parte instrumental nos mete de lleno en la historia en cada capítulo reforzado por la genial, asombrosa y teatral interpretación de Diamond. A resaltar sobre lo demás cuando pasa a primera persona y se mete en la piel de los personajes; punto a resaltar, ya que el álbum no deja de ser, a su manera, una denuncia contra temas tan condenables como el abuso de menores, algo totalmente repugnante y que por supuesto repugna a Diamond. Sin embargo a la hora de meterse en la piel del personaje en cuestión llega a hacer que te lo creas, brillante interpretación.

Tras una introducción titulada como el álbum y que realmente da miedo y en la que podemos escuchar los desvaríos de nuestro protagonista, empieza la historia con ‘Black Hill Sanitarium‘ donde nuestro protagonista se encuentra encerrado en un manicomio con un incontrolable deseo de escapar y con su locura en aumento, un tema perfecto para empezar. Continuamos el viaje con ‘Waiting‘, capítulo en el que nuestro prota asesina a una enfermera para robarle la llave y escapar a través del bosque hasta llegar al cementerio, con un estribillo que aparte de ser muy pegadizo, nos pone al día de la situación de este señor "… waiting in the dark…", esperando el momento oportuno para cometer el asesinato. Con el siguiente corte de nombre ‘Heads on the Wall‘, podemos comprobar que este señor no está muy bien de la cabeza, y nunca mejor dicho, ya que se nos expone una teoría: si mueres en un cementerio al alma no puede escapar si pierdes la cabeza, pero continúa viviendo en el cerebro. Nuestro protagonista no puede dejar que nadie salga del cementerio en su presencia, un tío muy majo. En la breve ‘Whispers‘ escuchamos una voz interior (que asusta) que le dice a nuestro amigo que tiene que ir por la hija de alguien; descubrimos que el nombre de la niña es Lucy. ‘I'm not a Stranger‘ nos habla del secuestro de la pequeña Lucy y de cómo este se la lleva al cementerio. ¿Para qué? Pronto lo sabremos. En ‘Digging Graves‘ el personaje cava siete tumbas, y sale a la luz una información vital: fue el padre de Lucy el que lo encerró. Seguramente el motivo por el que esté tan bien de la cabeza; en todas las lápidas aparece la frase "Lucy Forever". En ‘Meet me at Midnight‘ va a hacerle una visita a McKenzie, el padre de Lucy, y descubrimos que abusó de su pequeña; nuestro amigo lo vio y por eso lo encerró. Le dice a McKenzie que se reúna con él en el cementerio a medianoche o su pequeña morirá. ‘Sleep tight little Baby‘ nos habla de la preparación de Lucy para el macabro juego de nuestro prota, Lucy es enterrada viva en una de las 7 tumbas, McKenzie llega y no tiene más remedio que entrar en el macabro juego, reglas del cual no tardaremos en descubrir. Llegamos a ‘Daddy‘ donde aparte de escuchar los llantos de la pequeña desde la tumba, percibimos la furia de nuestro prota contra McKenzie. Y por fin llegamos al macabro juego llamado ‘Trick or Treat‘, siete tumbas, tres intentos, sólo puede fallar dos veces. Tras la "diversión", McKenzie es noqueado y cae boca abajo en la tumba de Lucy. Llegamos a una macabra canción de cuna llamada ‘Up from the Grave‘ donde nuestro amigo saca a Lucy de la tumba mientras le canta una bonita nana, precioso. Los dos últimos temas son ‘I am‘ y ‘Lucy Forever‘; se le dice a Lucy que cuando ella de la señal el padre morirá. En vez de eso, la niña le rebana la cabeza a nuestro protagonista y se la lleva en una mochila a su casa, probablemente muy perturbada. Todo este juego no sólo era por venganza, también era por Lucy. En el fondo hay una especie de sentimiento de amor por parte del prota hacia la niña (o hacia lo que significa para él) pero supongo que el hecho de que te entierren vivo no debe hacer mucha gracia. Así concluye esta historia con el bonito mensaje de "Lucy Forever": su alma estará con ella para siempre.

Tema destacado: ‘Trick or Treat’

Discos relacionados: KING DIAMOND – Abigail / KING DIAMOND – Them / MERCYFUL FATE – Time

 

MARILYN MANSON – Antichrist Superstar, por Alex Bace de MORPHIUM (Web / Facebook)

En 1996 salió a la venta el disco que haría ser un artista internacional a MARILYN MANSON, un personaje polémico que genera controversia y que siempre lleva todo lo que hace hasta el límite de lo correcto. Este álbum tiene todo lo que se necesita para optar al mejor Lp de los 90, su contenido y las consecencias de este trabajo lo corroboran. Más de nueve millones y medio de ejemplares vendidos, disco de oro por varias organizaciones, la devastadora gira Dead to the world en la que Marilyn manson realizo más de doscientos cincuenta conciertos por todo el mundo en tan solo un año, el impacto en la sociedad de moralidad cristiana y la contribución a la revolución del psique de la época, marcando también un antes y un después en un genero musical, etc.

Recuerdo que tenia doce años años cuando empecé a inquietarme, y lo primero que me atrajo de este artista era la impactante imagen que poseía. Reconozco que la primera escucha no me gustó nada, pero a medida que esos sonidos entraban en mí, estos fueron despertando intensos sentimientos que abrieron puertas que aún hoy día siguen abiertas. Definitivamente, ‘Antichrist Superstar’ ayudó a que emprendiera algunos caminos por los aún ando. Imagino que esta influencia es muy palpable en lo que concierne a mi papel en MORPHIUM. Después de escuchar todos los discos de este artista, llego a la conclusión que ‘Anticrhist Superstar’ es el más auténtico.

Estos temas plasman la biografía de Brian Hugh Warner pasada por el filtro más característico de Marilyn Manson: rabia, oscuridad y buen gusto. Pienso que el mensaje llega intenso y cargado de sentimiento; sentimientos que aparecen en otras obras del autor, pero a mi parecer de manera más elegante y dosificada. A diferencia de otros álbumes, este es el más conceptual de principio a fin, con un claro mensaje y una filosofía que se aproxima mucho a los ideales del filósofo alemán Friedrich Nietzsche. Aquí están algunos de los himnos del artista, y curiosamente ‘Antichrist Superstar’ es uno de los discos menos comerciales. Cada una de las dieciseis canciones que contiene este álbum me resulta fascinante desde la primera, ‘Irresponsible Hate Anthem’, hasta el último, ‘Man That You Fear’. Entre medias se encuentran temas como ‘The Beautiful People’, con un riff aplastante a ritmo de marcha militar que inaugura la potencia y la devastación de este lp, ‘Tourniquet’ con un lamento desgarrador de guitarra que confirmar que la desesperación juega un papel importante en esta obra, y propio tema título para anunciar el fin de todo con unas atmósferas apocalipticas que sirven para resumir el contenido de este sencillo, en el que dicen que contiene mensajes subliminales porque varios adolescentes se suicidaron al escucharlo…

Uno no tiene argumentos para decir que este trabajo pasará desapercibido en la historia del Rock. Otros discos como: Mechanical Animals, Hollywood o Golden Age of Grotesque también son grandes obras y me resulta complicado decidir cual es mejor, pero sin duda alguna, como dije antes, ‘Antichrist Superstar’ es el más auténtico por los motivos nombrados anteriormente.

En la producción encontramos a uno de los hasta entonces mejores amigos de MARILYN MANSON, el líder de NINE INCH NAILS, Trent Reznor. Después de ver la evolución de estos dos grandes artistas, llego a la conclusión de que este último ha sido una importante influencia para MARILYN MANSON; y estoy seguro que ‘Antichrist Superstar’ es una obra maestra porque fusionaron sus fuerzas dos personajes que considero genios. Quiero añadir que Manson siempre se ha rodeado de grandes músicos; me gustaría destacar al guitarrista John 5, aunque no formara parte de la banda en esta época concreta. Animo a todo aquel que no conozca este disco (o no le haya prestado atención) a que lo escuche, y si tiene tiempo, lo estudie. Todo lo que contiene este es de gran calidad.

Tema destacado: ‘Tourniquet’

Discos Relacionados: MARILYN MANSON – Mechanical Animals / MARILYN MANSON –

Hollywood / MARILYN MANSON –The Golden Age Of Grotesque.

 

TYPE O NEGATIVE – October Rust, por Alberto Marín de HAMLET (Web / Facebook)

Antes de descubrir este maravilloso disco ya habia escuchado su obra anterior, ‘Bloody Kisses’, que tambien es un me encantó, pero a mí me marcó especialmente ‘Octobe Rust’ cuando lo escuché por primera vez. Después de la intro en forma de subgrave ‘Bad Ground’ y las palabras del grupo dando las gracias y deseando que disfrutaramos con el disco ‘Untitled, viene para mí uno de los mejores temas del disco ‘Love you to Death’, una canción oscura, melodica, sensual y con un sonido muy profundo de teclados y una gran melodia de piano y guitarras. 

Ya de primeras me enganchó el sonido tan especial de este disco, con ese bajo con distor y chorus, la bateria con mucha pegada y profundidad, y qué decir de las voces, brutal el trabajo de Peter Steele, mucho mas variado tanto en su registro ultra grave como en tonos mucho mas agudos. El trabajo de producción me parece sobresaliente y "especial", ni las guitarras ni el bajo suenan convencionales, todo tiene un halo misterioso y magico.

El siguiente corte es ‘Be my Druidess’, un tema con un ritmo muy setentero y constante y una muy buena melodia de voz finalizando con una parte a medio tiempo con una melodia de guitarra muy inspirada. ‘Green Man’ es un tema de corte mas convencional o incluso con melodias cercanas al pop, pero hecho con un gusto excepcional. Realmente me gustan todos los temas de este disco sobre todo por su melancolia, las melodias de voz me parecen las mejores de todos los discos de TYPE O NEGATIVE, y el trabajo de Josh Silver en los teclados, cuerdas y arreglos me parece simplemente genial.

‘My Girlsfriend’s Girlfriend’ realmente me parece el tema que menos tiene que ver con el resto de los temas del disco, pero me parece un muy buen single de corte setentero y con un aire muy discotequero y una letra y un video provocativo y sugerente. ‘Burnt Flowers Fallen’ es más lineal en cuanto a estructura pero tiene una melodia muy hipnótica y que me gusta mucho. ‘In Praise of Bacchus’ también es otro temazo y que posee esa densidad y melancolia que posee este fenomenal y original disco. ‘Cinnamon Girl’ es una pasada de version de Neil Young totalmente adaptada al estilo propio de TON, para mi esto se llama hacer una VERSIÓN con mayusculas. Y otro de los temas que destacaria seria ‘Wolf Moon (Including Zoanthropic Paranoia)’, con una linea envolvente de bajo, y una melodia de teclados, arreglos de cuerdas y una melodia de voz acojonante. Resumiendo, para ,ço este disco es muy especial por lo que significó cuando lo escuché cuando salió y lo que sigue significando a día de hoy escuchándolo de nuevo. Para mí, uno de los mejores discos y grupos de los 90 y el trabajo mas mágico, romántico y especial de esta inimitable banda que tan buen legado nos han dejado.

Gracias y D.E.P Peter Steele.

Tema destacado: 'Love You to Death'

TYPE O NEGATIVE – Bloody Kisses / TYPE O NEGATIVE – World Coming Down / TYPE O NEGATIVE – Dead Again

 

SOCIAL DISTORTION – White Light, White Heat, White Trash, por Roberto Villandiego de REVOLVER

Pocos discos hay para losers tan claros como éste que nos atañe. ‘White Light, White Heat, White Trash’ fue el disco que puso definitivamente a SOCIAL DISTORTION en el mapa.  Siguiendo la línea de ‘Between Heaven And Hell’, y de temas como ‘Bad Luck’, Mike Ness (guitarra y voz) se vació el alma en un disco plagado de momentos memorables. Tristes todos, eso sí, pero memorables.

Si anteriores referencias como ‘Mommy’s Little Monster’ (vital para Tim Armstrong de RANCID por ejemplo) o ‘Social Distortion’ tenían un aire demasiado “punk”, con ‘White Light’ llevaron del todo su sonido hacia ese Rock áspero, carente de arreglos superficiales y con un Mike Ness sacándose de las entrañas todo el dolor del luchador que ha perdido por K.O. después de haberlo dado todo sobre el ring. La apertura con ‘Dear Lover’ es todo un himno a los corazones rotos. Uno puede apreciar cómo se va acumulando la carga dramática conforme avanzan los segundos; como se pueden oler las salpicaduras de sangre de ese corazón hecho añicos suplicando un último beso, aunque sea doloroso. Mucho más punkarra y con una actitud totalmente distinta continúan con ‘Don’t Drag Me Down’. Mike Ness vuelve a levantarse de la lona en esta ocasión aunque dura poco en pie. ‘Untitled’ vuelven a derrumbarse, creando otro himno de perdedor total. Algo más alegres son ‘I Was Wrong’, uno de los que fueran singles en su día, ‘Through These Eyes’ y ‘Down Oh The World Again’, en donde vuelven a sacar su vena más punkarra, esa hinchada por la mala leche de un Ness arrastrando las palabras por las canciones como queriéndolas humillar.

El contrapunto más ‘alegre’ lo ponen con ‘When The Angels Sing’ (de lo más “comercial” que hayan hecho nunca) para volver a la rapidez punk en ‘Gotta Know The Rules’ y posteriormente en ‘Pleasure Seeker’, los cuales muestran clarísimamente la evolución de la banda desde el lejano ‘Mommy’s Little Monster’. Su lado más lento, más “folk”, nos lo encontramos en ‘Down Here’ y ‘Crown Of Thorns’, en donde dan ligeras mordidas a la música más “americana”, pero sin perder de vista el incorporar el sonido 100% S.D. El álbum lo cierran con una excelente versión del ‘Under My Thumb’ de THE ROLLING STONES. La empiezan parecida a la original para luego llevársela a su terreno convirtiéndola en un tema que bien podría haber escrito Ness, quitándole de un plumazo la languidez que tiene el tema original.

Con este disco, SOCIAL DISTORTION no sólo lograron salir del underground dando un paso de gigante en cuanto a composiciones se refiere, sino que, con él, lograron plasmar en un álbum lo que se siente cuando te destrozan el corazón en pedazos. Si no lo creéis poneos ‘Dear Lover’ y sabréis de lo que hablo.

Tema destacada: ‘Dear Lover’

Discos relacionados: SOCIAL DISTORTION – Between Heaven and Hell / BACKYARD BABIES – Total 13 / RANCID – And Out Comes the Wolves

 

ZAKK WYLDE – Book of Shadows, por Varo Andrés

Si hay una palabra para calificar a este trabajo, esa es sin duda especial. De hecho, perfectamente podría haber estado presente ‘Pride and Glory’ en este reportaje, el álbum de la banda de mismo nombre que salió dos años antes que este ‘Book of Shadows’. Zakk Wylde se “olvidó” de la distorsión (o buena parte)en ellos para mostrar un lado íntimo, acústico, sureño, melancólico y sentido, que muchos parecen haber olvidado… o incluso algunos desconocen. Más allá de su aspecto actual y lo macarras que son BLACK LABEL SOCIETY, el bueno de Zakk tenía su corazoncito, y lo demostró a mediados de la década de los 90 con esos dos trabajos. Tres discos llevaba con Ozzy, revelándose como un guitarrista esplendido, a pesar de su juventud. Y es que Osbourne es experto en desvelar talentos. No en vano, muchos vieron en Wylde un talento parecido al del malogrado Randy Rhoads.

Puede que ‘Way Beyond Empty’ sobresalga un poco en popularidad sobre las demás, pero no en calidad respecto a la apertura con ‘Between Heaven & Hell’ con ese toque folk, o ‘Sold My Soul’ y ‘Road Back Home’ con sus espectaculares solos. ‘Too Numb To Cry’, aún corta, toca la fibra sensible con su piano, igual que ‘What You're Look'n For’, que al comienzo parece que nos vaya a cantar “… Sweet Home Alabama…”. Pero quizá ‘1.000.000 Miles Away’ sea una de las menos valoradas a pesar de ser de las más completas de todo el trabajo, y más cercana a lo que haría no mucho tiempo después. Y no parece que le haya ido mal por ese otro camino, no.

Tema destacado: ‘Way Beyond Empty’

Discos relacionados: PRIDE & GLORY – Pride & Glory – SOUTHERN ISOLATION – Southern Isolation / ALICE IN CHAINS – Unplugged

 

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